Mostrando entradas con la etiqueta pintura. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta pintura. Mostrar todas las entradas

sábado, 23 de octubre de 2010

DE BIOGRAFÍAS INSÓLITAS: VINCENT VAN GOGH (1853-1890)


Vincent Van Gogh fue hijo de un pastor protestante, Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que un hermano suyo que nació muerto justo un año antes que él. Cuatro años después de que Vincent arribara a este mundo, el 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theodorus (Theo). Tuvo también otro hermano llamado Cornelis Vincent y tres hermanas: Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.
Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg; dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años.
Después de su salida de la escuela y una estancia durante un año en Zundert, empezó a trabajar como aprendiz en 1869 en Goupil & Co. de La Haya -luego Boussod & Valadon- , importante compañía internacional de comercio de arte. En el año de 1873, se trasladó a Londres. Fue aquí donde tuvo su primer enamoramiento con Úrsula, la hija de la patrona de la pensión donde se hospedaba, pero la chica se encontraba comprometida y le rechazó.
En mayo de 1875 fue destinado a París. Menos de un año después, fue despedido. A fines de marzo de 1876 regresa a Inglaterra, donde permanece dos años. En esta época, Vincent desarrolla un profundo misticismo que provoca en él un deseo de ser teólogo, anhelo que se ve frustrado debido a su desconocimiento del griego y el latín y su falta de seguridad para hablar en público.
En 1878, fue enviado como misionero a la región de Mons a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente duras realizó durante 22 meses un trabajo evangelizador entre los mineros de la zona; pero su fanatismo provocaba temor. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada día más; además repartía entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias. Cuando sus superiores se enteraron de todo lo que sucedía le enviaron a Cuesmes, por lo que permaneció un año completo en una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que sentía una gran simpatía.
Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon von Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.
El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, quien lo aconseja sobre la pintura; también vuelve a enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee), quien acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la respuesta de Kee fue: «No, jamás, jamás». A pesar de esta negativa, insistió mediante cartas que la viuda no contestaba. Vincent insistió con los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa».
En La Haya, su primo, Anton Mauve, le dio buenos consejos y le insistió en la importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó las primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como lo demuestra las dos acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881).
Por esa época, recogió de la calle a Clasina Maria Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. Sin embargo, este intento de vida familiar fracasó: por la falta de recursos económicos, Sien había vuelto a ejercer la prostitución y Van Gogh se veía continuamente presionado por su padre y su hermano a romper con ella, hecho que finalmente ocurrió.
Después de esto, Vincent se trasladó a Drenthe, al norte de los Países Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos realizados anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la soledad. En diciembre de 1883 regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había sido trasladado.
El tejedor en el telar (1884) 70 x 85 cmEn Nuenen, fue bien recibido por su familia que le acondicionaron una habitación como taller. En este periodo se dedicó a dibujar y pintar los tejedores.
En el otoño de 1884, surgió un nuevo enamoramiento, ahora con la hija de un vecino, Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se encontraron con la firme oposición por parte de la familia de Margot, la cual llegó a intentar suicidarse. Poco después, el 26 de marzo de 1885, muere repentinamente el padre de Vincent. Las disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas, hicieron que se fuera de su casa para irse a vivir a un lugar más amplio que le ofreció el sacristán de una iglesia católica; para su familia, que era protestante, este hecho fue considerado como una ofensa. 
En noviembre de 1885 llegó a Amberes, donde alquiló un pequeño taller sobre una tienda de pinturas, el alquiler lo pagaba su hermano. Compró en unos anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de yeso de esculturas antiguas, expuestas en la Real Academia, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica. En esta época contrajo sífilis, que aunque fue tratada médicamente, le hizo perder casi todos los dientes.
En 1886 se mudó a París, para vivir junto a su hermano Theo Van Gogh, quien le presenta los trabajos del impresionismo; este contacto produce una paleta más luminosa, donde el color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra. Durante los dos años siguientes habrían múltiples fricciones entre los dos hermanos; siempre fue Theo el que cedió y perdonó.
Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió con la ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura. Pudo apreciar las pinturas exóticas realizadas por Gauguin en la Martinica. Una de las cosas más importantes que aprendió en esta época fue la aplicación del contraste complementario, el contraponer los tres colores básicos (amarillo, rojo y azul) a la mezcla formada por los otros dos, como combinación rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja que refuerzan su tono o se neutralizan al mezclarse en un gris deslucido.
El 21 de febrero de 1888 llega a Arlés, al sur de Francia. Al principio de su estancia se dedicó a la ejecución de retratos. Sin embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para Él, sobre todo si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a finales del mes de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la lectura del libro Madame Chisanthème de Pierre Loti. Con los hombres le fue más fácil convencerlos: a cambio les invitaba a una copa en la taberna.


Vincent tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener paredes de ese color) en Place Lamartine situada al norte de la ciudad de Arles. Theo le envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin.
Sin embargo, con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja derecha del primero, o de parte de ella. Esta versión indica que Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja y que, como consecuencia del disgusto, por la noche se mutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja completa). A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a su burdel favorito, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente, habría regresado a la «casa amarilla» de Arles, donde se desmayaría. Descubierto por la policía, fue enviado al hospital Hôtel-Dieu, en Arles mismo. Se avisó a Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arles con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.
Otras teorías apuntan a que, en realidad, Van Gogh habría perdido el lóbulo de su oreja como resultado de la agresión de Gauguin con su daga. Posteriormente, Gauguin ofrecería a la policía la versión de que la pérdida del lóbulo se habría debido a una autolesión. Un estudio forense practicado a los restos exhumados del artista ha interpretado que, efectivamente, la herida no pudo deberse a una automutilación.
Al regresar a su casa, Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, mostrando toda la parte derecha de la cabeza con una venda. En el fondo en la parte izquierda, se puede ver una xilografía japonesa que con su colorido contrasta con el blanco de la parte de la cara donde tiene la herida. El cuadro debió ser pintado delante de un espejo, ya que la oreja herida fue la izquierda. Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado ya que presentaba síntomas de manía persecutoria, se imaginaba que lo querían envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo el tratamiento del Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arles que avisaron a la policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arles. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un ex-monasterio, en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arles.
En Sant Remy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir de las que el interpretaba el color a su manera.


Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores; padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando volvió a escribir a Theo le explicó que había decidido abandonar la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse en Auvers-sur-Oise.
Trasladado a Auvers-sur-Oise, cercano a París, se instaló en una habitación de la pensión Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarlo y visitarlo. Bajo la atención del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa: en dos meses pintó más de setenta cuadros.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, se disparó un tiro en el pecho. Volvió a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo.
Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise. Theo había contraído la sífilis, por lo que ingresó en un hospital. No pudo soportar el dolor de la ausencia de su hermano y murió seis meses más tarde, el 25 de enero, en Utrecht.
La fama de Vincent creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con el artista, resultó ser la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco después del pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas ventas de Van Gogh en vida del artista.

lunes, 4 de octubre de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA RONDA DE NOCHE


AUTOR: Rembrandt (1606-1669)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 359 x 438 cm
FECHA: 1642
UBICACIÓN ACTUAL: Rijksmuseum, Ámsterdam

En este cuadro aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en que éste da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de estos dos personajes aparecen los 18 integrantes de la Compañía. Además, en el cuadro aparecen tres niños corriendo y un perro que animan la escena.
El cuadro presenta al grupo de forma espontánea y libre (contrario a las costumbres de la época, las cuales dictaminaban mostrar a los miembros quietos y en orden jerárquico). Hay una gran animación, cada personaje realiza actos distintos, en las más variadas actitudes y posturas, dando la impresión de auténtico movimiento.
Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas; también resbala sobre los elementos metálicos, para dar mayor sensación de realismo. sin embargo, a pesar de su concepción realista, la luz no actúa uniformemente, sino que ilumina y destaca a ciertos personajes y relega a otros a la sombra.
El cromatismo es rico en matices y contrastes: sobre un fondo gris verdoso o pardusco se ven vibrar discretamente, o afirmarse con decisión, azules claros, verdes oliva, castaños dorados, negros y rojos. Destacan el brillante amarillo del traje del teniente, con un fajín rojo anaranjado, frente al negro del traje del capitán en el centro del cuadro. Predominan los tonos cálidos, dorados.
Como anécdota, cabe resaltar que el verdadero título del cuadro es:  La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg. En el siglo XIX, el nombre fue cambiado a La ronda de noche, el cual no es adecuado, pues la acción transcurre de día.

lunes, 27 de septiembre de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: ¿DE DÓNDE VENIMOS? ¿QUIÉNES SOMOS? ¿A DÓNDE VAMOS?


AUTOR: Paul Gauguin (1848-1903)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 139.1 x 374.6 cm
FECHA: 1897
UBICACIÓN ACTUAL: Museo de Bellas Artes de Boston

En 1897, tras la muerte de su hija Aline y ya con el sufrimiento a cuestas debido a su alcoholismo y la sífilis que padecía, el pintor Paul Gauguin intentó  (infructuosamente) suicidarse. No obstante, quiso dejar como legado una obra que resumiera sus sentimientos y reflexiones filosóficas, por lo que se dedicó a la creación de esta pintura que es considerada como su obra maestra.
La escena es un paisaje tropical lleno de mujeres y niños tahitianos, cada uno de ellos en una actividad diferente y simbólica: a la derecha, un bebé duerme en el suelo rodeado de tres chicas sentadas y un perro; al fondo, se encuentran dos personajes con túnica y abrazados que caminan mientras hablan y se observa una figura sentada en el suelo que les mira en una posición simiesca rascándose la cabeza; en el centro, una figura andrógina coge una fruta; a sus pies, un niño come otra rodeado de gatos y una cabra; al fondo en la izquierda hay una estatua oriental con los brazos levantados con una mujer a su lado y un embrión humano en el otro; finalmente, a la izquierda, se encuentran una mujer apoyada sobre su brazo, una vieja sentada en posición fetal tapándose la cara, y un pájaro blanco con una lagartija entre las patas.
El cuadro es un escenario de la vida y la actividad humana, desde el nacimiento hasta la muerte, leído de derecha a izquierda: las tres mujeres con un niño representan el principio de la vida; el grupo medio simboliza la existencia diaria de la edad adulta joven, además de la tentación y caída del hombre (se puede observar en la figura que toma un fruto del árbol); y en el grupo final, vemos una momia que tapa sus oídos para mantenerse al margen de la escena; el pájaro blanco extrañoque yace a sus pies representa la futilidad de palabras. El ídolo azul en el fondo representa al parecer lo que Gauguin describió como “el más allá.”
Geométricamente la composición de líneas parte del centro hacia los extremos de forma simétrica y piramidal.

martes, 21 de septiembre de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO


AUTOR: Eugène Delacroix (1798-1863)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 259 x 352 cm
FECHA: 1830
UBICACIÓN ACTUAL: Museo del Louvre

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830, cuando el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales.
El cuadro tiene una estructura en forma de pirámide con los muertos por la libertad en la base (una de estas figuras está agonizante y la ve directamente para enfatizar la idea de que vale la pena morir por ella) y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El propio artista se autorretrató en el personaje con sombrero de copa, llevando un rifle de la época. Para aumentar la tensión y el movimiento, Delacroix  añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. 
De fondo se ve el cielo de París tormentoso, destacando la imagen de Notre Dame. La humareda luminosa de los cañones parece tratarse de una metáfora de la burguesía, que se libera de las tinieblas y encuentra la luz en ese país que emerge de las cenizas.
Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

lunes, 13 de septiembre de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA MAJA DESNUDA


AUTOR: Francisco de Goya
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 97 x 190 cm
FECHA: 1790-1800
UBICACIÓN ACTUAL: Museo del Prado

En esta pintura se retrata de cuerpo entero a una hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. La maja posee una piel tersa y aporcelanada, casi de esmalte. La habitación en la que ella se encuentra parece en penumbras; sin embargo, la maja da la impresión de irradiar luz.
Pictóricamente, es una obra en la que destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas. La pincelada no es tan larga como acostumbra el artista, a excepción de los volantes de los almohadones, mientras que la figura, situada en primer plano, está realizada con mayor minuciosidad
El contraste más claro en este cuadro se da entre la mujer y su espacio: mientras que hay una gama cromática fría en la habitación (con excepción del lecho), la luminosidad que caracteriza a la mujer hace que nuestra atención se centre en ella. Su figura irradia sensualidad; su postura y mirada sugieren, atraen.
Cabe aclarar que esta es la primera pintura conocida de toda la Historia del arte en que se pinta el vello púbico femenino.También destaca el hecho de que Goya se aleja de sus antecesores al mostrar un ideal de belleza femenino al desnudo basado en una persona y no en una deidad.
Este cuadro formó pareja con La maja vestida (1802-1805), que retrata a la misma figura femenina, en la misma pose y con igual sugerencia en la mirada, pero con ropa.

lunes, 6 de septiembre de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA CREACIÓN DE ADÁN


AUTOR: Miguel Ángel (1475-1564)
TÉCNICA: Fresco
MEDIDAS: 280 x 570 cm
FECHA: 1510
UBICACIÓN ACTUAL: Capilla Sixtina, Vaticano

Esta pintura ilustra el pasaje del Génesis en el que Dios da vida al primer hombre (Adán). En la imagen se ve al creador como un anciano envuelto en una túnica de color púrpura, rodeado de querubines; su brazo se encuentra estirado para impartir la chispa de la vida a través de su dedo. Adán a su vez, estira su brazo izquierdo para que su dedo logre alcanzar el de Dios.
Se puede apreciar el contraste de las dos entidades gracias a sus posiciones en el fresco: Dios se encuentra flotando en el aire, pues es celestial; en cambio, Adán se encuentra acostado en la tierra, ya que su naturaleza es terrenal. Asimismo, podemos observar a un creador dinámico, que parece descender a gran velocidad, dotado de gran poder, contra un Adán estático, cómodamente instalado en la superficie.
Un aspecto que ha dado pie a muchas teorías es la presencia de una figura femenina al lado de Dios. El creador la rodea con su brazo izquierdo, quizás protegiéndola o quizás preparándola para llegar al mundo. Muchos estudiosos han enunciado que se trata de Eva, quien todavía espera su turno para ser creada.
Las líneas compositivas son diagonales dotando a la escena de dinamismo. La perspectiva es una de las grandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una captación tridimensional que logra con intrincados y complicados puntos de fuga y escorzos nunca antes realizados en la historia de la pintura.
La creación de Adán forma parte de los nueve frescos que adornan la parte central de la bóveda de la Capilla Sixtina y que representan a su vez nueve historias del Génesis. Las otras ocho son: Separación de la luz de la oscuridad; Creación de los astros y las plantas; Separación de las aguas y la tierra; Creación de Eva; Caída del hombre, pecado original y expulsión del Paraíso; El sacrificio de Noé; el Diluvio; y la Embriaguez de Noé.

lunes, 30 de agosto de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA NOCHE ESTRELLADA


AUTOR: Vincent Van Gogh (1853-1890)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 73.7 X 92.1 cm
FECHA: 1889
UBICACIÓN ACTUAL: Museo de Arte Moderno, New York

La parte central del lienzo muestra el pueblo de Saint-Rémy bajo un cielo arremolinado; la aguja de la torre de la iglesia preside el conjunto. Las colinas de Alpilles aparecen a lo lejos en el margen derecho. En primer plano se observa un ciprés, cuya forma asemeja a una llama. Arriba, el cielo destaca por la luna y las once estrellas que le hacen compañía: puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor (algo inédito en la obra del artista holandés). Se debe aclarar también que, para algunos especialistas, una de las estrellas es en realidad el planeta Venus.
Este cuadro es una vista hacia el norte desde la ventana de la habitación en el asilo de de Saint-Rémy-de-Provence, donde Van Gogh se recluyó hacia el final de su vida. Existe  poca correlación entre la escena y la realidad, ya que las colinas intermedias parecen estar superpuestas, correspondiendo en realidad a la vista meridional del sanatorio. Asimismo, el ciprés que aparece a la izquierda fue también añadido a la composición.
"La noche estrellada" es una de las pocas pinturas donde el artista renuncia a la observación directa de la naturaleza para crear formas y colores, entregándose  a la fantasía
Se puede apreciar un contraste entre la claridad y movimiento del cielo, con la quietud y oscuridad del pueblo. Las únicas líneas rectas son las de los tejados de las casas. El aura luminosa que envuelve la Luna, hace que ésta se confunda con un Sol. Algunos críticos han asociado al ciprés del cuadro, que se extiende hasta el cielo, con la muerte.
El Griffith Park Observatory realizó un estudio de esta obra, descubriendo que Van Gogh había pintado la luna, Venus y varias estrellas en la posición exacta en la que se hallaban esa noche.
Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta época: malvas, morados y amarillos, los cuales muestran el estado de ánimo eufórico del artista, pero que parecen predecir su trágico final: Van Gogh se suicidaría trece meses más tarde.

lunes, 23 de agosto de 2010

OBAS MAESTRAS DE LA PINTURA: EL NACIMIENTO DE VENUS


AUTOR: Sandro Botticelli (1445-1510)
TÉCNICA: Temple sobre lienzo
MEDIDAS: 172.5 x 278.5 cm
FECHA: 1482-1484
UBICACIÓN ACTUAL: Galería Uffizi, Florencia.

Existen dos versiones acerca del nacimiento de Venus o Afrodita. En una es considerada hija de Zeus y Dione, y representa el amor carnal o vulgar. La otra dice que Urano (el cielo) y Gea (la tierra) se unieron para concebir a los primeros seres (los titanes), pero Cronos (el tiempo), uno de sus hijos, castró a su padre con una hoz y arrojó sus testículos al mar: de la espuma surgida nació la diosa. Es ésta la Venus Púdica, o del amor puro, en la que Botticelli se inspiró para su famoso cuadro.
El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Cubre su pecho con una mano y su sexo con la otra. La larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy joven, de boca cerrada y ojos claros.
El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Ovidio, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli.
Venus se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En el aspecto terrestre, una de las Horas o Ninfas espera a la diosa en la playa, para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.
La diosa se identifica con el elemento del fuego y se encuentra exactamente encima de su antagónico: el agua. También se observan los otros dos elementos fundamentales, tierra y viento; todos ellos se supeditan a la diosa.

lunes, 16 de agosto de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: EL GRITO


AUTOR: Edvard Munch (1863-1944)
TÉCNICA: Óleo, temple y pastel sobre cartón
MEDIDAS: 89 x 73.5 cm
FECHA: 1893
UBICACIÓN ACTUAL: Galería Nacional de Oslo

Es preciso aclarar que Munch pintó cuatro versiones de este mismo cuadro. La que aparece en el post es la más famosa. En esta obra, se observa en primer plano una figura andrógina carente de cabello en un momento de angustia existencial; su fisonomía es tremendamente expresiva, mostrando desánimo y terror. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. También se observan a lo lejos dos personas de negro, cuyos rasgos no se alcanzan a vislumbrar.
La pintura dista de ser realista, pues todo se encuentra deformado, tanto la figura andrógina como el paisaje, como si ese grito viniera a alterar todo el paisaje, a cambiarlo. El cielo se transforma en fuego y el mar queda indefinido por sus espirales violentas. .
Munch describió así la experiencia que lo llevó a pintar esta obra: "Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza".
En 1961 la obra se populariza al ser utilizada como portada en la revista Time para su número sobre trastornos de ansiedad y complejos de culpa. Hoy en día se le puede observar en camisas, tazas y numerosos productos.

lunes, 9 de agosto de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LAS MENINAS


AUTOR: Diego Velázquez (1599-1660)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 310 x 276 cm
FECHA: 1656
UBICACIÓN ACTUAL: Museo del Prado en Madrid

Las Meninas es la pintura más famosa de Velázquez. La estancia en la que se desarrolla la escena es probablemente el llamado Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo copiando originales de Rubens, lienzos que se pueden contemplar al fondo de la estancia.
En la composición, el maestro nos presenta a once personas, todas ellas documentadas, excepto una. La escena está presidida por la infanta Margarita y sus damas de compañía ("meninas", en portugués), María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último dándole una patada a un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa (Camarera Mayor) y el desconocido guardadamas (estudios recientes aseguran que se trata de Diego Ruiz Azcona, prelado vasco que fuera obispo de Pamplona y arzobispo de Burgos). Reflejadas en el espejo están las efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria, quienes parecen ser los verdaderos modelos del pintor y no la infanta como podría pensarse en un principio. La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto al fondo del cuadro.
La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es sobria: predominan los grises y los ocres. No obstante, Velázquez aplica colores fuertes como el rojo en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas (lazos, pasadores de pelo y adornos florales). La representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resulta llamativa sin romper con la armonía del cuadro.
En cuanto a la perspectiva, ésta resulta sumamente interesante, pues el autor optó por una combinación de dos tipos diferentes: existe una lineal que guía nuestra vista hacia el fondo, la parte iluminada, proporcionando al cuadro una tridimensionalidad muy llamativa; y también existe una perspectiva aérea, en la cual los colores pierden intensidad, se difuminan o degradan con la distancia.
Pablo Picasso admiraba esta obra a tal punto que pintó docenas de versiones de ella, empezando a los 16 años. De hecho, produjo tantas que hace unos años el Museo Picasso de Barcelona le dedicó una exposición a sus “Meninas”.

lunes, 2 de agosto de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA


AUTOR: Salvador Dalí (1904-1989)
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MEDIDAS: 24 x 33 cm
FECHA: 1931
UBICACIÓN ACTUAL: Museo de Arte Moderno de Nueva York

Pintura surrealista de Dalí. En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. Como fondo, se observan el mar y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes de bolsillo: uno  "normal" y tres blandos, deformados. Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara híbrida, parte humana y parte ave, que parece dormir (su ojo está cerrado). El tercer reloj blando está a punto de deslizarse por un muro; sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj más pequeño, el que no se encuentra derretido, situado sobre el muro, hay una gran cantidad de hormigas.
Los objetos están representados con exactitud y detallismo, pero sus dimensiones no son reales y están deformados. El cuadro está dividido en dos partes no simétricas: una envuelta en tinieblas, en primer término, con un foco de luz a la derecha que ilumina suavemente los objetos; y la otra, fuertemente iluminada, al fondo, con una luz muy blanca, irreal. Predominan los tonos frios (azules, grises, blancos), que contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos).
Domina la línea horizontal del mar al fondo, remarcada por la luz, que divide el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosas. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Como elementos dinámicos, el pintor utiliza las líneas diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). El color contribuye a lograr estos efectos, ya que los tonos cálidos nos acercan las formas, mientras que los frios las alejan. La perspectiva tradicional existe, pero el espacio parece extraño. El punto de vista del espectador es alto, aunque no en todos los objetos.
El tema hace alusión a la memoria y no al tiempo, por lo que quizás Dalí buscaba establecer la relación entre una y otro, demostrando que la memoria puede deformarse, irse escabullendo (como el reloj que va a deslizarse por el muro), pero persiste. Quizás no sea exacta, así como los relojes del cuadro que marcan diversas horas (aunque siempre se encuentran alrededor de las seis), pero busca persistir, aunque sea en el sueño, en el paisaje onírico.

martes, 27 de julio de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: LA GIOCONDA


AUTOR: Leonardo da Vinci (1452-1519)
TÉCNICA: Óleo sobre tabla de álamo
MEDIDAS: 77 x 53 cm
FECHA: Entre 1503 y 1506
UBICACIÓN ACTUAL: Museo de Louvre en París, Francia

Se trata probablemente de la pintura más conocida de la Historia del arte. Su complejidad resulta extraordinaria, más aún si se toma en cuenta que es un retrato. En apariencia, la obra puede ser descrita de forma simple: se trata de una mujer mirando al frente con los brazos apoyados en el vientre. De fondo, se observa un paisaje agreste, salvaje.
Pero cuando uno analiza la obra a más profundidad, diversos aspectos salen a relucir. Quizás el más famoso hace referencia a la sonrisa de La Gioconda: si se mira la boca, se puede apreciar un gesto neutral, en cambio, se observamos cualquier otra parte del cuadro, hace acto de presencia su sonrisa enigmática.
Esta impresión probablemente se debe a la técnica que Leonardo empleó para pintar el cuadro: el sfumato. Esta técnica logra un efecto vaporoso a través de la superposición de varias capas de pintura en extremo delicadas. Así, puede generar una sensación de vaguedad y lejanía a través de contornos imprecisos. Al sfumato también se debe el paisaje de fondo que parece desaparecer en un degradado invisible.
Pero la ambigüedad del rostro acompaña también a la indefinición sexual de La Gioconda. Tradicionalmente, se ha afirmado que la modelo era Lisa Gherardini (de allí el otro nombre con el cual la pintura es conocida: Mona Lisa), esposa de Francesco del Giocondo, y que el retrato fue un encargo de su marido. No obstante, a lo largo de la historia han surgido numerosas hipótesis acerca de la identidad de la modelo; algunas, incluso, afirman que la persona era en realidad un hombre (un joven amante de Leonardo o el artista mismo). Esto se debe, precisamente, al carácter andrógino que parece impregnar todos los matices del retrato y que Freud llegaría a describir como "una preocupante masculinidad".
Otro aspecto que llama la atención y ha generado diversas teorías, es la posición de las manos. Éstas cubren el vientre, generando la impresión de que la modelo se encuentra embarazada, aspecto que no tendría por sí mismo nada de particular si no se apreciera también la ausencia de una argolla en su dedo.
El cuadro fue robado del Louvre el 21 de agosto de 1911, por el carpintero Vincenzo Perugia y se recuperó dos años después, cuando el ladrón fue arrestado. Actualmente, se encuentra en exhibición bajo un panel blindado.

lunes, 5 de julio de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: GUERNICA


AUTOR: Pablo Picasso (1881-1973)
TÉCNICA: Óleo
MEDIDAS: 777 x 349 cm
FECHA: 1937
UBICACIÓN ACTUAL: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España.

Este es uno de los cuadros más conocidos de Picasso. La obra hace referencia al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de 1937 a manos de la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana. Este bombardeo persiste dentro de la memoria española como uno de sus hechos más infames: durante la Guerra Civil Española, Francisco Franco pidió apoyo a Hitler y Mussolini para tomar el control del país, resultando en varios bombardeos. El de Guernica se convirtió en el más conocido, ya que fue la primera vez que se utilizó el bombardeo alfombra (táctica que consiste en arrojar gran cantidad de bombas de caída libre, combinadas con bombas incendiarias para lograr un mayor daño) en una ciudad y no sobre bases militares, lo que derivó en la muerte de civiles inocentes.
Ese mismo año, el entonces gobierno de la República Española (que caería dos años más tarde a manos de los insurgentes) encargó al pintor Pablo Picasso la realización de un cuadro que hiciera referencia a esta infamia; una vez terminado el lienzo fue expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937, en París.
El Guernica de Picasso está pintado en blanco y negro, con una variada gama de grises. El cuadro, a pesar de aludir al bombardeo, es simbólico y puede ser aplicado a las víctimas de cualquier guerra. En el centro de la pintura encontramos un caballo agonizante con una mujer arrodillada (que parece haber huido del ataque) y otra mujer portando una lámpara; a la derecha hay una casa en llamas con una mujer gritando y a la izquierda se encuentra un toro y una mujer con su hijo muerto. Situado entre el toro y el caballo hay una paloma (la cual no se logra apreciar a primera vista); también observamos en el cuadro los restos de un guerrero muerto.
Picasso se negó siempre a explicar el significado del cuadro. No obstante, la visión que causa es terrible: muerte y destrucción lo abarcan todo; las figuras femeninas agonizantes, heridas o dolidas (la mujer con el hijo muerto) predominan en la pintura, mientras que la presencia masculina se reduce a dos muertos; la paloma (símbolo de la paz) tiene una ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto, como si gritara desesperada.
Ya para terminar, existe una anécdota muy interesante referente al Guernica: se dice que durante los cuarenta, con Francia tomada por los nazis, un oficial alemán, ante la foto de una reproducción del cuadro, le preguntó a Picasso si él había hecho eso, a lo que el pintor español contestó: “No, han sido ustedes”.

lunes, 28 de junio de 2010

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA: EL JARDÍN DE LAS DELICIAS



AUTOR: Hieronymus Bosch, “El Bosco” (1450-1516)
TÉCNICA: Óleo
MEDIDAS: 206 x 386 cm
FECHA: 1480-1490
UBICACIÓN ACTUAL: Museo del Prado, Madrid.

Es un tríptico compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Estando cerrado, el tríptico representa el tercer día de la creación del mundo: se observa dentro de una esfera transparente a la Tierra con únicamente minerales y vegetación. Está pintado en tonos grises, blanco y negro, claro contraste con el colorido del interior. En la esquina superior izquierda, aparece una pequeña imagen de Dios, con una tiara y la Biblia sobre las rodillas. En la parte superior se puede leer un fragmento del salmo 33: “Él lo dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue creado”.
Al abrirse el tríptico, vemos: en el panel izquierdo, una imagen del paraíso con Dios, Adán y Eva; en el panel central, la imagen de la Tierra, donde la lujuria se ha apoderado del ser humano; y, finalmente, en el panel derecho se representa las condenas que los hombres sufren en el infierno. La intención es mostrar la forma en la que la humanidad ha caído de la gracia de Dios.
El “Jardín de las delicias” al que hace referencia el título es el mostrado en el panel central. En él, observamos a la concupiscencia reinando: hombres y mujeres en parejas desnudos, frutas (cerezas, frambuesas, uvas, fresas) como alusión al placer sexual, agua contaminada por el pecado humano.
Numerosos son los detalles que llaman la atención en esta obra, por lo que sólo mencionaré algunos: en el panel izquierdo se logra observar el rostro del diablo escondido a la espera de que Dios se marche para poder tentar a Adán y Eva; en el panel derecho, la cara que aparece en la parte central bajo un plato que contiene una gaita, es un autorretrato del propio Bosco; en el panel central parece apreciarse de nuevo a Eva, señalada por el único personaje que se encuentra vestido.
Una obra extraordinaria que muestra un profundo conocimiento por la mitología (y simbología) judeocristiana a la par de una exorbitante imaginación.
Para apreciar mejor la pintura, dar click sobre las imágenes.